Grâce à son style visuel unique et à son engagement envers l’exactitude historique, Robert Eggers est devenu l’un des meilleurs réalisateurs actuellement actifs à Hollywood.
Peu de cinéastes contemporains ont su établir une voix aussi distincte en si peu de temps que Robert Eggers. Depuis ses débuts en 2015 avec The Witch, Eggers est devenu synonyme d’écrits historiques méticuleux, d’horreur psychologique et d’une intransigeante authenticité d’époque. Ses films mettent au défi le public avec des dialogues archaïques, des thèmes complexes et un désir d’explorer les recoins les plus sombres de l’humanité. Ceux qui osent consacrer l’attention nécessaire à ses œuvres sont récompensés par des récits inoubliables qui persistent dans l’esprit et hantent l’âme.
Une réflexion sur l’œuvre d’Eggers
Avec la sortie de son quatrième film, Nosferatu, le jour de Noël, il est temps de réfléchir à la brève filmographie du réalisateur. Voici tous les films de Robert Eggers, classés du moins bon au meilleur :
Le film le plus accessible commercialement d’Eggers à ce jour porte encore sa signature inimitable, même s’il réinvente le chef-d’œuvre d’horreur de F.W. Murnau, datant de 1922. Nosferatu suit Thomas Hutter (Nicholas Hoult), un agent immobilier envoyé pour conclure un marché avec le mystérieux Comte Orlok (Bill Skarsgård). Cependant, le véritable cœur du film émerge à travers Ellen (Lily-Rose Depp), la femme de Thomas, dont le lien avec le vampire devient la force narrative centrale.
Bien que la première moitié de Nosferatu suive de près le canevas de l’original, Eggers trouve sa propre voix en intégrant des éléments de Dracula de Bram Stoker que le film muet avait omis, notamment en explorant la relation complexe entre Ellen et Orlok. La performance captivante de Depp propulse la seconde moitié du film, créant une danse troublante entre prédateur et proie qui enrichit la mythologie du vampire. Malgré quelques problèmes de rythme et une cinématographie parfois trop sombre, l’acte final offre certaines des séquences d’horreur les plus marquantes de ces dernières années, prouvant qu’Eggers peut allier sa vision artistique à un attrait commercial élargi sans sacrifier son attention signature aux détails et à l’atmosphère.
Ce brutal épique viking représente le projet le plus ambitieux d’Eggers, alliant précision historique méticuleuse et une narration primitive de vengeance. Le film suit le prince Amleth (Alexander Skarsgård), qui est témoin de l’assassinat de son père par son oncle et du kidnapping de sa mère lorsqu’il était enfant. Des années plus tard, il se lance dans une quête sanglante de vengeance qui remet en question sa compréhension du destin et de l’honneur.
En s’inspirant de la même légende scandinave qui a inspiré Hamlet de Shakespeare, Eggers crée la représentation cinématographique la plus complète de la civilisation viking jamais réalisée dans The Northman, explorant ses pratiques religieuses et ses structures sociales. Le film examine la culture nordique sans la romantiser, en analysant comment la vengeance façonne le destin individuel et la structure sociétale. Le résultat est une expérience visuelle qui rend la plupart des épopées historiques presque banales en comparaison, tout en maintenant l’engagement du réalisateur envers la complexité psychologique et la profondeur thématique.
Le film d’Eggers, The Witch, a annoncé l’émergence d’une voix majeure dans le cinéma d’horreur grâce à son exploration sophistiquée de la paranoïa religieuse et du pouvoir féminin. Situé dans la Nouvelle-Angleterre des années 1630, le film suit une famille puritaine banni de sa plantation coloniale vers une ferme isolée en bordure d’un mystérieux bois. Lorsque leur fils infantile disparaît mystérieusement, la famille commence à se fracturer sous le soupçon et l’hystérie religieuse, la fille adolescente Thomasin (Anya Taylor-Joy) portant le poids de leur paranoïa.
Le souci de The Witch pour un dialogue et un décor historiques précis crée une authenticité qui rend ses éléments surnaturels encore plus terrifiants, tandis que son exploration du fondamentalisme religieux reste douloureusement actuelle. La performance révélatrice de Taylor-Joy capture la réalité écrasante de vivre sous une autorité religieuse patriarcale, tandis que Ralph Ineson et Kate Dickie livrent des performances obsédantes de parents dont la foi devient leur perte. Le génie du film réside dans sa capacité à valider à la fois les interprétations surnaturelles et psychologiques de ses événements, créant une méditation complexe sur la foi, la famille et la libération. Ses derniers instants demeurent parmi les plus puissants du cinéma d’horreur moderne, offrant une célébration sombre de la rébellion féminine contre l’oppression religieuse.
The Lighthouse d’Eggers est un chef-d’œuvre qui pousse le cinéma à ses limites techniques et thématiques tout en racontant l’histoire de deux gardiens de phare sombrant lentement dans la folie sur une île isolée de Nouvelle-Angleterre dans les années 1890. Filmé en noir et blanc, avec des objectifs vintage et un format presque carré, le film crée un cauchemar claustrophobique qui enferme les spectateurs aux côtés de ses protagonistes.
Dans The Lighthouse, Willem Dafoe incarne Thomas Wake, un gardien vétéran dévoué presque religieusement au faisceau du phare, tandis que Robert Pattinson joue Ephraim Winslow, son nouvel assistant portant de sombres secrets. Leur isolement devient un champ de tensions psychologiques, sexuelles et possiblement surnaturelles. L’exploration par le film de la psychologie masculine et des dynamiques de pouvoir crée une expérience hypnotique, chaque visionnage révélant de nouvelles couches de signification. Dafoe et Pattinson livrent des performances marquantes alors qu’ils sombrent dans une folie teintée de maritime, leurs dialogues archaïques devenant de plus en plus shakespeariens à mesure que la réalité s’effondre autour d’eux. Grâce à sa précision technique, sa profondeur mythologique et sa complexité thématique, The Lighthouse s’établit comme une réalisation singulière dans le cinéma contemporain.
